Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου

Ιστορία

Το 1823 ένας συλλέκτης ονόματι Sir George Beaumont προσφέρθηκε να δώσει τη διάσημη συλλογή πινάκων του στη βρετανική κυβέρνηση για να ξεκινήσει μια δημόσια γκαλερί τέχνης. Το 1824 μια άλλη διάσημη συλλογή πινάκων βγήκε προς πώληση. Ο ιδιοκτήτης της, ο John Julius Angerstein, είχε πεθάνει. Φαινόταν ότι οι πίνακές του θα πωλούνταν εκτός Αγγλίας. Τότε υπήρξε μια άλλη προσφορά πινάκων από έναν τρίτο συλλέκτη, τον αιδεσιμότατο Χόλγουελ Καρ. Το Κοινοβούλιο έπρεπε να λάβει μια γρήγορη απόφαση.

Το Κοινοβούλιο ψήφισε ότι θα έπρεπε να ξεκινήσει μια εθνική συλλογή και να κατασκευαστεί μια πινακοθήκη. Έδωσαν 60.000 λίρες στερλίνες για να αγοράσουν τους πίνακες του Angerstein. Πήραν 38 πίνακες και μπόρεσαν να τους εκθέσουν δημόσια στο σπίτι του Angerstein.

Η συλλογή μεγάλωσε γρήγορα με τους πίνακες Beaumont και Holwell Carr, καθώς και άλλους, που αγοράστηκαν ή δόθηκαν. Χρειαζόταν μια νέα γκαλερί. Το 1831 έγιναν δεκτά τα σχέδια του αρχιτέκτονα William Wilkins. Επιλέχθηκε η τοποθεσία που βλέπει στην πλατεία Τραφάλγκαρ, κατεδαφίστηκαν τα παλιά κτίρια και η νέα υπέροχη γκαλερί εγκαινιάστηκε στις 9 Απριλίου 1838.

Όταν άνοιξε η Εθνική Πινακοθήκη, επικρατούσε η άποψη ότι οι πίνακες της περιόδου της Υψηλής Αναγέννησης από τα τέλη της δεκαετίας του 1400 έως τους μπαρόκ πίνακες του 1600 ήταν το καλύτερο είδος τέχνης. Η λέξη πρωτόγονη χρησιμοποιήθηκε για να περιγράψει τους ιταλικούς πίνακες ζωγραφικής από τη δεκαετία του 1300 και τις αρχές του 1400. Ευτυχώς, ο διευθυντής της Πινακοθήκης, Sir Charles Eastlake, θεώρησε σημαντικό να συλλέξει μερικούς από αυτούς τους πρωτόγονους πίνακες, καθώς και τους πιο δημοφιλείς πίνακες της Υψηλής Αναγέννησης. Έτσι η Εθνική Πινακοθήκη έφτασε να κατέχει τόσα πολλά και πολύ σπάνια έργα από τον Ύστερο Μεσαίωνα και την Πρώιμη Αναγέννηση.

Τη δεκαετία του 1870 η Πινακοθήκη είχε την τύχη να αποκτήσει δύο συλλογές πινάκων διάσημων Ολλανδών καλλιτεχνών. Το κτίριο έπρεπε να μεγαλώσει για να τις στεγάσει. Στην Πινακοθήκη δόθηκαν επίσης πίνακες διάσημων Βρετανών καλλιτεχνών- σύντομα υπήρχαν τόσοι πολλοί που οι περισσότεροι μεταφέρθηκαν σε μια νέα γκαλερί που ονομάστηκε Tate.

Μέχρι τον 20ό αιώνα, γινόταν όλο και πιο δύσκολο να αγοραστούν πολύ σημαντικοί πίνακες- υπήρχαν άλλες γκαλερί στις Ηνωμένες Πολιτείες και στη Γερμανία που προσπαθούσαν να αγοράσουν τους ίδιους πίνακες. Έτσι, η Εθνική Πινακοθήκη άρχισε να αγοράζει έργα πιο σύγχρονων ζωγράφων και σύντομα απέκτησε μια συλλογή από πίνακες του 19ου και των αρχών του 20ού αιώνα. Αυτό δεν αποτελεί μεγάλο μέρος της συλλογής της Εθνικής Πινακοθήκης, αλλά παρουσιάζει μικρά έργα πολλών πολύ σημαντικών καλλιτεχνών, ιδίως των ιμπρεσιονιστών.

Η "Παναγία με τα ροζ" του Ραφαήλ, ζωγραφισμένη περίπου το 1506, είναι ένας από τους τελευταίους σημαντικούς πίνακες που αγόρασε η Εθνική Πινακοθήκη.

Σημαντικοί πίνακες ζωγραφικής

Πρώιμη ιταλική

• Ντούτσιο, Παναγία με το παιδί, π.1300, Σιένα
• Μασάτσιο, Παναγία με το παιδί, περ. 1426, Φλωρεντία
• Fra Angelico, Ο Χριστός εν δόξη, περ. 1435, Φλωρεντία

• Uccello, Ο Άγιος Γεώργιος και ο Δράκος, περ. 1450, Φλωρεντία

Η ιστορία αυτού του πίνακα είναι ένας χριστιανικός θρύλος για έναν δράκο που έκλεψε μια πριγκίπισσα. Η πριγκίπισσα γοήτευσε τον δράκο και τον έδεσε με τη ζώνη της, αλλά δεν μπόρεσε να ξεφύγει. Ο ευγενής Γεώργιος ήρθε να τη σώσει και σκότωσε τον δράκο. Υπάρχουν πολλοί πίνακες του Αγίου Γεωργίου στην Εθνική Πινακοθήκη, επειδή είναι ο προστάτης άγιος της Αγγλίας. Ο Ουτσέλο προσπάθησε να δείξει την προοπτική του τοπίου με την τοποθέτηση φωτεινών και σκοτεινών περιοχών στο έδαφος. Οι διαγώνιες γραμμές είναι σημαντικές σε αυτόν τον πίνακα. Η γραμμή που δημιουργείται από το φτερό και το πόδι του δράκου πηγαίνει προς την ίδια κατεύθυνση με το δόρυ του Γεωργίου, ενώ το σώμα και η ουρά πηγαίνουν προς την αντίθετη κατεύθυνση.

• Piero della Francesca, Η Βάπτιση του Χριστού, περ. 1450, Umbria
• Mantegna, Η αγωνία στον κήπο, 1460, Μάντοβα
• Pollaiuolo, Το μαρτύριο του Αγίου Σεβαστιανού, 1475, Φλωρεντία

• Σάντρο Μποτιτσέλι, Άρης και Αφροδίτη, δεκαετία 1480, Φλωρεντία

Η ιστορία αυτού του πίνακα προέρχεται από τη ρωμαϊκή μυθολογία. Ο Άρης, ο θεός του πολέμου, έκανε έρωτα με την Αφροδίτη, τη θεά του έρωτα. Είναι τόσο κουρασμένος που δεν καταλαβαίνει ότι μικρά φαύνια παίζουν με τα όπλα του. Όμως ένα από αυτά είναι έτοιμο να του φυσήξει δυνατά ένα μεγάλο κοχύλι στο αυτί. Το μήνυμα αυτού του πίνακα είναι ότι η αγάπη μπορεί να νικήσει τον πόλεμο. Το σχέδιο βασίζεται σε ένα μεγάλο W. που κάνει τον πίνακα συμμετρικό. Ο Μποτιτσέλι το έκανε αυτό για την κρεβατοκάμαρα του Τζουλιάνο ντε' Μεντίτσι, ενός πλούσιου ευγενή από τη Φλωρεντία. Ζωγράφισε τον Άρη για να μοιάζει με τον Τζουλιάνο και την Αφροδίτη για να μοιάζει με τη φίλη του, αλλά ο Τζουλιάνο δεν είχε πολύ χρόνο να απολαύσει τους πίνακές του, καθώς δολοφονήθηκε λίγο αργότερα.

• Περουτζίνο, Παναγία και παιδί με τους αγγέλους Μιχαήλ και Ραφαήλ, 1496, Περούτζια
• Giovanni Bellini, Προσωπογραφία του Leonardo Loredano, Δόγη της Βενετίας, 1501, Βενετία

Πρώιμη βορειοευρωπαϊκή ζωγραφική

• Άγνωστος ζωγράφος, Το δίπτυχο του Γουίλτον, περ. 1395, Αγγλία ή Γαλλία

Το Δίπτυχο του Γουίλτον είναι ένας από τους πιο πολύτιμους πίνακες της Εθνικής Πινακοθήκης, επειδή τα περισσότερα μικρά έργα τέχνης του Μεσαίωνα στην Αγγλία καταστράφηκαν. Ο πίνακας αυτός απεικονίζει τον βασιλιά Ριχάρδο Β' της Αγγλίας να παρουσιάζεται στην Παναγία από τους τρεις προστάτες αγίους του. Είναι ζωγραφισμένος με τέμπερα- τα χρώματα αναμειγνύονται με αυγό. Η λέξη "δίπτυχο" σημαίνει ότι αποτελείται από δύο μέρη και μπορεί να κλείσει σαν βιβλίο. Το φόντο είναι καλυμμένο με λεπτό χτυπημένο φύλλο χρυσού. Το μπλε είναι κατασκευασμένο από αλεσμένο ημιπολύτιμο λίθο, το λάπις λάζουλι. Μπορεί να φιλοτεχνήθηκε ως γαμήλιο δώρο για τον βασιλιά, ενώ βρισκόταν στη Γαλλία .

• Jan van Eyck, Ο γάμος του Arnolfini, 1434, Βέλγιο
• Hans Memling, Παναγία και παιδί με αγίους και δωρητές, 1477, Μπριζ
• Rogier van der Weyden, Πιετά, περ. 1460, Βρυξέλλες
• Ιερώνυμος Μπος, Ο χλευασμός του Χριστού, π.1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Durer, Ο πατέρας του ζωγράφου, 1497, Νυρεμβέργη

• Gerard David, Παναγία και παιδί με αγίους και δωρητή, 1505, Μπριζ.

Αυτός ο πίνακας είναι ένα τέμπλο για μια εκκλησία. Δείχνει την Παναγία καθισμένη σαν βασίλισσα σε θρόνο με το παιδί Ιησού. Τον προσκυνούν τρεις γυναίκες άγιοι και ο άνδρας που πλήρωσε τον καλλιτέχνη για να φιλοτεχνήσει τον πίνακα για την εκκλησία. Ονομάζεται "δωρητής". Τα πάντα στην εικόνα έχουν ζωγραφιστεί με μεγάλη λεπτομέρεια, τα ρούχα, τα κεραμίδια, τα κοσμήματα, τα κτίρια και τα λουλούδια. Πολλά από τα πράγματα στην εικόνα είναι σύμβολα. Το σκυλάκι είναι το σύμβολο της πίστης. Τα κρίνα είναι το σύμβολο της αγνότητας της Παναγίας. Ο πίνακας δεν παρουσιάζει μέρος μιας ιστορίας ή μια χρονική στιγμή. Ο πίνακας έχει ζωγραφιστεί για να βοηθήσει τον θεατή να ηρεμήσει το μυαλό του για προσευχή.

• Lucas Cranach, Έρως, τσιμπημένος από μέλισσα, 1522, Weimer
• Hans Holbein, Οι πρεσβευτές, 1533, γεννήθηκε στο Άουγκσμπουργκ και πέθανε στο Λονδίνο. Βλέπε παρακάτω.
• Pieter Breughel ο Πρεσβύτερος, Η προσκύνηση των βασιλιάδων, 1564, Βρυξέλλες

Η Ιταλία του 1500

• Λεονάρντο ντα Βίντσι, Η Παναγία των βράχων, π.1506, Μιλάνο. Βλέπε παρακάτω.
• Μιχαήλ Άγγελος, Ο ενταφιασμός του Χριστού, περ. 1506, Ρώμη. Βλέπε παρακάτω.
• Ραφαήλ, Η Παναγία των Ανσίντεϊ, π.1505,
• Giorgione, Η προσκύνηση των βασιλιάδων, 1507, Βενετία

• Τιτσιάνος, Βάκχος και Αριάδνη, 1523, Βενετία

Αυτή η εικόνα προέρχεται από την ελληνική μυθολογία. Η πριγκίπισσα Αριάδνη έχει ναυαγήσει στη Νάξο, το νησί του Βάκχου. Ο Βάκχος βλέπει την Αριάδνη και την ερωτεύεται με την πρώτη ματιά. Ο Τιτσιάνος τον δείχνει να πηδάει από το άρμα του, το οποίο σέρνουν τσίτα, ενώ η Αριάδνη γυρίζει για να φύγει. Όμως η Αριάδνη έχει κοιτάξει στα μάτια τον Βάκχο και έχει ερωτευτεί κι αυτή. Στον ουρανό βρίσκεται το στέμμα από αστέρια που της χάρισε ο Βάκχος στο γάμο τους. Ο Τιτσιάνος έχει ζωγραφίσει μια σπειροειδή κίνηση σε πολλές από τις μορφές. Μπορεί να φανεί στο κόκκινο μαντήλι της Αριάδνης. Παρόλο που ο πίνακας αυτός αναφέρεται στη Μυθολογία, οι μορφές είναι πολύ ρεαλιστικές.

• Parmigiano, Παναγία με το παιδί και τον Άγιο Ιωάννη, 1527, Πάρμα

• Λορέντζο Λόττο, Κυρία ως Λουκρητία, 1530, Βενετία

Το πορτρέτο αυτό απεικονίζει μια γυναίκα με πλούσιο βελούδινο φόρεμα, η οποία κρατάει ένα σχέδιο της Λουκρητίας, μιας ευγενούς γυναίκας της Αρχαίας Ρώμης που αυτοκτόνησε μαχαιρώνοντας τον εαυτό της μετά από βιασμό. Ο πίνακας μπορεί να φιλοτεχνήθηκε για μια οικογένεια που ήθελε η κόρη της να παντρευτεί καλά. Ο συμβολισμός του πίνακα δείχνει πρώτον ότι η νεαρή γυναίκα είναι πλούσια και δεύτερον ότι είναι σεξουαλικά αγνή. Αυτά τα δύο πράγματα ήταν σημαντικά για την πραγματοποίηση ενός καλού γάμου. Ο Λόττο έχει χρησιμοποιήσει την αντίθεση των χρωμάτων στο πορτοκαλί και το πράσινο φόρεμα για να δημιουργήσει ένα πλούσιο αποτέλεσμα. Έχει κάνει επίσης μια ασυνήθιστη χρήση στην αντίθεση των τόνων. Πολύ φωτεινές περιοχές, όπως το πρόσωπο, το στήθος και το χέρι της, ελέγχουν το κέντρο του πίνακα. Τρεις ακόμη πολύ φωτεινές περιοχές τοποθετούνται στη δεξιά πλευρά, το σχέδιο, το χέρι και η σημείωση. Αυτή η διάταξη είναι ασύμμετρη.

• Bronzino, Αλληγορία, περ. 1550, Φλωρεντία. Βλέπε παρακάτω.
• Tintoretto, Ο Άγιος Γεώργιος και ο Δράκος, 1560, Βενετία

Ιταλία, Γαλλία και Ισπανία το 1600

• Καραβάτζιο, Ο Δείπνος στον Εμμαό, περ. 1600, Ρώμη

Αυτός ο πίνακας βασίζεται σε μια ιστορία από τη Βίβλο. Δύο οπαδοί του Ιησού περπατούσαν στο δρόμο προς την Εμμαούς και μιλούσαν με θλίψη για το θάνατο του Ιησού. Ένας άνδρας ήρθε και περπάτησε μαζί τους, αλλά στην αρχή δεν τον γνώριζαν. Εκείνο το βράδυ, ενώ δειπνούσαν σε ένα πανδοχείο, ξαφνικά κατάλαβαν ότι ήταν ο Ιησούς που είχε αναστηθεί από τους νεκρούς και ήταν τώρα ζωντανός. Ο Καραβάτζιο έχει παρουσιάσει αυτή τη χρονική στιγμή σαν να ήταν μια φωτογραφία. Τα πράγματα που κάνουν αυτή την εικόνα να φαίνεται τόσο αληθινή είναι το φως, η κίνηση και οι λεπτομέρειες. Ο Καραβάτζιο έχει ζωγραφίσει το φως που έρχεται από τη μία πλευρά σαν να υπήρχε μια μεγάλη λάμπα. Το κεφάλι του πανδοχέα δημιουργεί μια σκιά πίσω από τον Ιησού που μοιάζει με φωτοστέφανο. Ο πίνακας έχει συλλάβει ένα μόνο δευτερόλεπτο όταν ο Ιησούς έχει σηκώσει το χέρι του, ο ένας άνδρας αρχίζει να σηκώνεται και ο άλλος πετάει τα χέρια του. Μόνο ο πανδοχέας είναι ακίνητος. Η θέα του χεριού του Ιησού, των χεριών του άνδρα και του αγκώνα του άλλου άνδρα είναι παραμορφωμένη. Οι λεπτομέρειες δείχνουν συνηθισμένους ανθρώπους με συνηθισμένα ρούχα που είναι παλιά και σκισμένα. Υπάρχει επίσης μια νεκρή φύση του καλαθιού στην άκρη του τραπεζιού. Ο φωτισμός και ο ρεαλισμός του Καραβάτζιο αντιγράφηκαν από πολλούς άλλους ζωγράφους, όπως ο Ρέμπραντ και ο Βελάσκεθ.

• Ελ Γκρέκο, Ο Χριστός διώχνει τους εμπόρους από το ναό, περ. 1600, Τολέδο
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Ρώμη

• Claude Le Lorrain, Αναχώρηση της Βασίλισσας του Σαβά, 1648, Γαλλία και Ρώμη

Αυτό το φανταστικό τοπίο βασίζεται σε μια ιστορία από τη Βίβλο. Στη σκηνή αυτή, η βασίλισσα του Σαβά ξεκινά το ταξίδι της από την Αφρική στην Παλαιστίνη για να συναντήσει τον βασιλιά Σολομώντα. Αλλά αυτό που πραγματικά ήθελε να δείξει ο καλλιτέχνης ήταν το ομιχλώδες πρωινό φως της ανατολής του ήλιου πάνω από τη θάλασσα. Έχει επίσης ζωγραφίσει τρεις διαφορετικούς τύπους κτιρίων. Στα αριστερά είναι ένα αρχαίο ερείπιο σαν αυτά που είδε ο καλλιτέχνης στη Ρώμη. Στο βάθος είναι ένα κάστρο και ένας πύργος από τον Μεσαίωνα. Στα αριστερά η βασίλισσα βγαίνει από ένα μεγαλοπρεπές παλάτι στο νέο στυλ της Αναγέννησης. Τίποτα σε αυτόν τον πίνακα δεν έχει σχέση με την Αφρική ή την Παλαιστίνη. Πρόκειται για τη Ρώμη. Δείχνοντας τη βασίλισσα του Σαβά, ο Πουσέν λέει ότι η πόλη της Ρώμης, με όλη την ιστορία της εδώ και 2000 χρόνια, είναι σαν την πιο όμορφη και έξυπνη βασίλισσα που έζησε ποτέ. Αυτού του είδους η ζωγραφική ονομάζεται "αλληγορία".

• Nicholas Poussin, Bacchanale, 1603, Γαλλία και Ρώμη

Αυτός ο πίνακας είναι μια σκηνή από τη ρωμαϊκή μυθολογία. Οι γυναίκες είναι νύμφες, τα πνεύματα του δάσους. Ορισμένοι από τους άνδρες είναι σάτυροι και έχουν κέρατα και οπλές κατσίκας. Ζουν στη Νάξο, το νησί του Βάκχου, και περνούν πολύ χρόνο μεθυσμένοι, χορεύοντας και κάνοντας έρωτα. Σε αυτό το ξέφρενο γλέντι, ακόμα και τα μωρά πίνουν κρασί. Μια νύμφη ετοιμάζεται να σπάσει μια κανάτα κρασιού στο κεφάλι ενός σάτυρου, ο οποίος προσπαθεί να φιλήσει τη φίλη της. Ο Poussin έχει χρησιμοποιήσει μεγάλες επιφάνειες φωτεινών χρωμάτων. Στην αρχή, ο πίνακας μοιάζει με ένα συνονθύλευμα σωμάτων, αλλά όλα είναι πολύ προσεκτικά τοποθετημένα για να δώσουν ένα χορευτικό αποτέλεσμα σε ολόκληρη την εικόνα. Ένα μεγάλο τριγωνικό σχήμα περιέχει όλες τις μορφές. Έξω από το τρίγωνο στα δεξιά βρίσκεται ένα άγαλμα του Πάνα. Στην αριστερή πλευρά υπάρχει ένα όμορφο τοπίο.

• Ντιέγκο Βελάσκεθ, Η Αφροδίτη του Ρόκεμπι, 1649, Μαδρίτη.

Η εικόνα αυτή προέρχεται από τη ρωμαϊκή μυθολογία. Δείχνει την Αφροδίτη, θεά του έρωτα και της ομορφιάς, να κοιτάζει σε έναν καθρέφτη που κρατάει ο γιος της Έρως. Ο Βελάσκεθ περνούσε τον περισσότερο χρόνο του ζωγραφίζοντας πορτραίτα για τη βασιλική οικογένεια της Ισπανίας και τους συγγενείς τους. Είναι ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους πορτραίτων όλων των εποχών. Όμως αυτός ο πίνακας μάλλον έγινε για τον εαυτό του και όταν τον έκανε, έθεσε τον εαυτό του σε κίνδυνο σοβαρής τιμωρίας. Στην Ισπανία, αν και ο βασιλιάς κυβερνούσε, η Εκκλησία είχε τον έλεγχο. Παρακολουθούσαν ό,τι έκανε ο καθένας, και έβαλαν να θανατωθεί ένας πολύ μεγάλος αριθμός ανθρώπων. Ήταν παράνομο στην Ισπανία να ζωγραφίζεις γυμνές εικόνες όπως αυτή εδώ. Ο Βελάσκεθ έχει φροντίσει να δείξει μόνο την πλάτη της. Η εικόνα του προσώπου δεν είναι πολύ καθαρή. Οι παλιοί καθρέφτες δεν ήταν τόσο καθαροί όσο οι σύγχρονοι. Ίσως ο Βελάσκεθ ήθελε να αποκρύψει το πρόσωπο της γυναίκας για την προστασία της. Η διάταξη και ο χρωματισμός σε αυτόν τον πίνακα είναι πολύ απλοί. Οι χαριτωμένες γραμμές του σώματος επαναλαμβάνονται στα γκρίζα και λευκά καλύμματα του κρεβατιού. Η κόκκινη κουρτίνα βρίσκεται στην ίδια γωνία με το κεφάλι της και είναι ένα ζεστό χρώμα, όπως η ροζ σάρκα της.

• Μουρίγιο, Οι δύο Τριάδες, 1681, Σεβίλλη

Η Ολλανδία και η Φλάνδρα το 1600

• Gerrit von Honthorst, Ο Χριστός μπροστά στον αρχιερέα, 1617, Ουτρέχτη

• Ρέμπραντ, Η γιορτή του Βαλτάσαρ, δεκαετία του 1630, Λέιντεν

Ο Ρέμπραντ είναι περισσότερο γνωστός ως ζωγράφος πορτραίτων, ιδίως για τις πολλές αυτοπροσωπογραφίες που καταγράφουν τη ζωή του από την εφηβεία μέχρι τα γηρατειά του. Ζωγράφισε επίσης πολλές σκηνές από τη Βίβλο, όπως αυτή εδώ. Ο πατέρας του πρίγκιπα Βαλτάσαρ είχε μεταφέρει τους Εβραίους στη Βαβυλώνα ως σκλάβους. Ο Βαλτάσαρ έκανε ένα πάρτι και έστειλε υπηρέτες να φέρουν τα χρυσά κύπελλα που είχαν κλαπεί από το Ναό της Ιερουσαλήμ. Ξαφνικά ένα παράξενο χέρι εμφανίστηκε και έγραψε ένα μήνυμα στον τοίχο. Κανείς δεν ήξερε τι σήμαινε και έτσι ο Βαλτάσαρ ρώτησε τον Δανιήλ, ο οποίος ήταν Εβραίος προφήτης. Ο Δανιήλ είπε: "Ο Θεός σε ζύγισε και σε μέτρησε. Δεν ανταποκρίνεσαι στους κανόνες του Θεού. Οι μέρες σου είναι μετρημένες!" Αυτός ο πίνακας δείχνει πόσα έμαθαν οι Ολλανδοί ζωγράφοι από τον Καραβάτζιο. Αυτός ο πίνακας μπορεί να συγκριθεί με τον Δείπνο στην Εμμαούς. Είναι μια άλλη σκηνή γεμάτη δράμα. Ο Ρέμπραντ έχει τοποθετήσει δύο από τις μορφές σε ασυνήθιστες γωνίες. Το σώμα του Βαλτάσαρ είναι στραμμένο προς τον θεατή, αλλά το κεφάλι του είναι γυρισμένο για να δει τι συμβαίνει πίσω του. Καθώς πηδάει από την καρέκλα του, χτυπάει το χρυσό κύπελλο που κρατούσε μια από τις συζύγους του. Αυτή βρίσκεται επίσης σε περίεργη γωνία, επειδή ο θεατής κοιτάζει προς τα κάτω το κεφάλι και τους ώμους της. Ο Ρέμπραντ έχει κάνει μια αντίθεση μεταξύ της πλούσιας υφής των ενδυμάτων του και του πλαδαρού προσώπου και της παχιάς κοιλιάς του.

• Anthony van Dyck, Ο Κάρολος Α΄ της Αγγλίας έφιππος, 1631, Λονδίνο. Βλέπε παρακάτω.

• Peter Paul Rubens, Η κρίση του Παρισιού, 1632, Αμβέρσα

Ο Ρούμπενς ήταν τόσο δημοφιλής ζωγράφος που έγινε πλούσιος και διάσημος. Ζωγράφισε πορτρέτα και πολλές σκηνές από τη Βίβλο και τη Μυθολογία. Η ιστορία αυτού του πίνακα είναι από την ελληνική και τη ρωμαϊκή μυθολογία. Ο Πάρις ήταν ένας πρίγκιπας που ανατράφηκε από έναν βοσκό. Του έδωσαν ένα χρυσό μήλο και του ζήτησαν να κρίνει έναν διαγωνισμό ομορφιάς ανάμεσα σε τρεις Θεές: Juno, τη θεά της οικογένειας, Minerva, τη θεά του πολέμου και Venus, τη θεά του έρωτα. Κάθε μία προσέφερε μια ανταμοιβή: πλούτο, επιτυχία στη μάχη και την πιο όμορφη γυναίκα του κόσμου για σύζυγό του. Ο Πάρις επέλεξε την τελευταία και έδωσε το μήλο στην Αφροδίτη. Αυτό εξόργισε δύο πολύ ισχυρούς ανθρώπους. Και, αυτό που δεν είχε συνειδητοποιήσει ήταν ότι η πιο όμορφη γυναίκα στον κόσμο, η Ελένη της Τροίας, ήταν ήδη παντρεμένη. Ο Ρούμπενς ζωγράφισε έναν πίνακα για να διακοσμήσει τον τοίχο του σπιτιού ενός πλούσιου προστάτη. Ο πίνακας έχει πολλές λεπτομέρειες που βοηθούν στην αφήγηση της ιστορίας. Αυτές περιλαμβάνουν τον μικρό Έρωτα, ένα τσοπανόσκυλο, το παγώνι της Ιούννης, την τρομακτική ασπίδα της Μινέρβας και πρόβατα που βόσκουν στο όμορφο τοπίο. Αλλά τα πιο σημαντικά πράγματα στον πίνακα είναι τα τρία όμορφα γυμνά. Αυτό ήταν που έκανε τους πίνακες του Ρούμπεν τόσο δημοφιλείς.

• Franz Hals, Οικογενειακή ομάδα, δεκαετία του 1640, Αμβέρσα
• Pieter der Hoogh, Courtyard in Delft, 1658, Delft. Βλέπε παρακάτω.
• Johannes Vermeer, Νεαρή γυναίκα στα Παρθένα, περ. 1670, Delft. Βλέπε παρακάτω.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Η ζωγραφική τοπίων έγινε πολύ δημοφιλής στην Ολλανδία τη δεκαετία του 1600. Σε αυτή την εικόνα η προοπτική είναι πολύ σημαντική. Σε μια πολύ επίπεδη χώρα, μπορεί να είναι δύσκολο να κρίνει κανείς πόσο μακριά βρίσκονται τα πράγματα. Ο Hobbema χρησιμοποίησε αυτόν τον ευθύ δρόμο με τις δύο σειρές ψηλών δέντρων για να δώσει την αίσθηση του πόσο μακριά είναι η πόλη. Με την πρώτη ματιά αυτός ο πίνακας φαίνεται αρκετά συμμετρικός. Αλλά ο Hobbema έχει προσθέσει πολλές διαφορές για να κάνει τον πίνακα πιο ενδιαφέροντα, εξισορροπώντας μια αγροικία στη μία πλευρά με μια εκκλησία στην άλλη και κάνοντας τις δύο σειρές δέντρων αρκετά διαφορετικές.

Η δεκαετία του 1700

• Watteau, Οι εραστές, περ. 1720, Γαλλία
• Giambattista Pittoni ,Η θυσία της Πολυξένης, 1740, Βενετία
• Canaletto, Η λεκάνη του Αγίου Μάρκου την ημέρα της Ανάληψης, περ. 1740, Βενετία
• Chardin, Ο μικρός δάσκαλος, περ. 1740, Παρίσι. Βλέπε παρακάτω.
• William Hogarth, Marriage a la Mode ( μια ιστορία σε έξι εικόνες), 1743, Λονδίνο

• George Stubbs, Μια οικογένεια στο Φαέθον της, περ. 1750, Αγγλία

Στη δεκαετία του 1700, οι πίνακες τοπίου ήταν δημοφιλείς στην Αγγλία, αλλά δεν ήταν απλώς εικόνες της όμορφης υπαίθρου ζωγραφισμένες ως διακοσμητικά για ένα δωμάτιο. Οι περισσότεροι πίνακες τοπίου ήταν επίσης καταγραφές μιας οικογένειας και της γης που κατείχε. Αποτελούσαν ένδειξη του πλούτου και της θέσης της οικογένειας. Σε αυτόν τον πίνακα οι γαιοκτήμονες επιδεικνύουν το ιδιωτικό τους πάρκο με την ποικιλία των δέντρων του. Επιδεικνύουν επίσης το υπέροχο ζευγάρι αλόγων τους και την κομψή άμαξά τους που ονομάζεται "φαέθων". Μαζί, αυτή η άμαξα και τα άλογα είναι το αντίστοιχο ενός πολύ ακριβού αυτοκινήτου του 18ου αιώνα. Ο Stubbs ήταν πιο διάσημος για τη ζωγραφική των αλόγων. Ήταν δεξιοτέχνης στη σύνθεση όμορφων εικόνων. Εδώ, δημιούργησε μια ισορροπία μεταξύ του μεγάλου μοντέρνου καπέλου της κυρίας που είναι τοποθετημένο ενάντια στο σκούρο δέντρο και των μαύρων αλόγων ενάντια στον ανοιχτόχρωμο ουρανό.

• Tiepolo, Αλληγορία του έρωτα και του χρόνου, 1754, Ιταλία
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Λονδίνο
• Thomas Gainsborough, The Morning Walk, 1786, Λονδίνο
• Γκόγια, Ο Δούκας του Ουέλινγκτον, 1812, Ισπανία και Γαλλία

1800 και μετά

• Turner, Ο Τεμεράς, 1838, Λονδίνο

Αυτός είναι ένας θλιβερός πίνακας. Το πλήρες όνομά του είναι The Fighting Temeraire ρυμουλκούμενο στο τελευταίο του κρηπίδωμα για να διαλυθεί ως παλιοσίδερα. Αυτό είναι το τελευταίο ταξίδι για ένα από τα μεγάλα πολεμικά πλοία που είχε πολεμήσει για την Αγγλία εναντίον του γαλλικού στόλου στη μάχη του Τραφάλγκαρ. Το ψηλό κομψό σχήμα του κάνει αντίθεση με το βρώμικο μαύρο ρυμουλκό με το καπνίζον χωνί που το ρυμουλκεί. Ο Turner, ο οποίος ήταν ειδικός στη ζωγραφική της θάλασσας, του ουρανού και του καιρού, έχει τοποθετήσει το φεγγάρι στον ουρανό κοντά στο ιστιοφόρο. Το φεγγάρι βρίσκεται στην τελευταία του φάση. Στην άλλη πλευρά της εικόνας, ο ήλιος ανατέλλει με μια κόκκινη λάμψη σαν φωτιά πάνω στο νερό. Η φθίνουσα σελήνη είναι το σύμβολο του περάσματος της εποχής των μεγάλων ιστιοφόρων. Ο φλεγόμενος ήλιος στο νερό είναι το σύμβολο της νέας εποχής της ατμομηχανής.

• Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Παρίσι
• Courbet, Γυναίκες στην όχθη του Σηκουάνα, 1857, Γαλλία

• Henri Fantin-Latour, Μήλα σε πιάτο, 1861, Γαλλία

Αυτή η εικόνα είναι μια νεκρή φύση. Στην Αναγέννηση, τα γλυπτά νεκρών φύσεων αποτελούσαν συχνά μέρος της ξύλινης διακόσμησης στο εσωτερικό σημαντικών δωματίων ενός παλατιού. Στις δεκαετίες του 1600 και 1700 οι πίνακες με νεκρές φύσεις έγιναν επίσης συνηθισμένοι και τις περισσότερες φορές τις έβλεπες στην τραπεζαρία, όπου τα φρούτα, τα λουλούδια και τα ζώα που είχαν σκοτωθεί για κρέας αποτελούσαν μοντέρνα διακόσμηση. Τη δεκαετία του 1800 πολλοί καλλιτέχνες όπως ο Fantin-Latour ζωγράφιζαν μικρές νεκρές φύσεις όπως αυτή για να εξασκήσουν τις ικανότητές τους στην οργάνωση μιας εικόνας, στη μελέτη του φωτός και στη μελέτη της υφής. Πολλοί καλλιτέχνες ζωγράφιζαν επίσης νεκρές φύσεις επειδή ήταν πολύ φτωχοί για να πληρώσουν για ένα μοντέλο καλλιτέχνη ή επειδή ο καιρός ήταν πολύ κακός για να ζωγραφίσουν τοπία. Ο Fantin-Latour φιλοτέχνησε μεγάλο αριθμό μικρών πινάκων σαν αυτόν. Έχει τοποθετήσει τέσσερα μήλα διαφορετικών χρωμάτων και σχημάτων και έχει κάνει μια μελέτη για το πώς φαίνεται το φως στις καμπύλες επιφάνειές τους.

• Μανέ, Η σερβιτόρα, 1879, Παρίσι
• Claude Monet, The Houses of Parliament, Λονδίνο, Γάλλος ζωγράφος. Βλέπε παρακάτω.
• Renoir, Οι ομπρέλες, περ. 1880, Γαλλία

• Seurat, Οι λουόμενοι στο Asnieres, 1884, Γαλλία

Ο Σεουρά ήταν φίλος των Γάλλων ιμπρεσιονιστών ζωγράφων. Είχε τη θεωρία ότι όλα τα χρώματα αποτελούνται από πολλά χρώματα τα οποία ταξινομούνται όταν το φως περνάει στο μάτι. Πειραματίστηκε με το χρώμα ζωγραφίζοντας με μικροσκοπικές κουκκίδες. Ο τρόπος ζωγραφικής του ονομάζεται πουτιλισμός. Αυτός ο μεγάλος πίνακας χρειάστηκε πολύ χρόνο για να γίνει. Παρόλο που πρόκειται για μια υπαίθρια σκηνή με πολλές φιγούρες, είναι πολύ ακίνητη, σαν να έχει σταματήσει ο χρόνος. Όταν ο πίνακας εξετάζεται προσεκτικά, μπορεί να δει κανείς ότι ακόμη και τα μέρη που φαίνονται λευκά ή μαύρα είναι φτιαγμένα από εκατοντάδες μικροσκοπικές κουκκίδες χρώματος.

• EdgarDegas, Χτένισμα μαλλιών, π.1885, Παρίσι
• Σεζάν, Βουνά στην Προβηγκία, 1890, Προβηγκία

• Vincent van Gogh, Τοπίο με κυπαρισσό πεύκο, περ. 1890, Γαλλία

Ο Βίνσεντ βαν Γκογκ είχε μια δύσκολη και ταραγμένη ζωή. Γεννήθηκε στην Ολλανδία αλλά πήγε να ζωγραφίσει στη Γαλλία. Είχε πολύ λίγους φίλους και δυσκολευόταν να πουλήσει τους πίνακές του. Ευτυχώς είχε την υποστήριξη του αδελφού του Theo και ενός γιατρού για τον οποίο ζωγράφιζε πίνακες. Αυτό το τοπίο είναι ένα καλό παράδειγμα του στυλ του. Στον πίνακα, τα πάντα φαίνεται να έχουν τη δική τους ζωή. Τα σύννεφα μοιάζουν με μεγάλα θηρία που κυλούν στον ουρανό, τα κυματιστά σιτηρά απλώνονται σαν χέρια, τα βουνά βροντούν και το κυπαρίσσι πεύκο μοιάζει αρκετά επικίνδυνο. Ο Βίνσεντ χρησιμοποίησε κάθε πινελιά για να βοηθήσει στη δημιουργία αυτής της κίνησης που μοιάζει με φλόγα. Ένα άλλο σημαντικό πράγμα σε αυτόν τον πίνακα είναι η αντίθεση. Τα χρώματα αλλάζουν από το ζεστό κόκκινο-πορτοκαλί στο παγωμένο μπλε. Το μεγάλο σκούρο δέντρο στα δεξιά βρίσκεται σε τονική αντίθεση με τα λευκά σύννεφα. Η κάθετη κατεύθυνση του δέντρου έρχεται σε αντίθεση με την οριζόντια κατεύθυνση του τοπίου. Το 1890, ο Βίνσεντ αυτοκτόνησε αφού ζωγράφισε εκατοντάδες πίνακες σε μόλις πέντε χρόνια.

• Henri Toulouse-Lautrec, Γυναίκα στον κήπο, 1891, Γαλλία
• Douanier Rousseau, Tiger frightened by a Storm, 1891, Παρίσι
• Gustav Klimt, Πορτρέτο της Hermine Gallia, 1904, Βιέννη

Uccello


Μποτιτσέλι


Το δίπτυχο Wilton


Gerard David


Τιτσιάνος


Lorenzo Lotto


Καραβάτζιο


Lorrain


Poussin


Velázquez


Rembrandt


Rubens


Hobbema


Stubbs


Turner


Fantin-Latour


Seurat


van Gogh

Gallery

Σχετικές σελίδες

• Uffizi
• Λούβρο
• Hermitage